Esto promete. El mes pasado nos enteramos que Tom Hanks había firmado con DreamWorks para protagonizar un thriller ambientado en la Guerra Fría que Steven Spielberg estaba interesado en dirigir. Hoy es noticia que los hermanos Coen también han subido a bordo del proyecto para ocuparse del guion.

En concreto, DreamWorks ha fichado a Joel y Ethan Coen para que reescriban un primer borrador entregado por Matt Charman. Recordemos que el film, aún sin título, se centrará en la historia real del abogado James Donovan, contratado por la CIA en 1962 para negociar la liberación de un piloto de un avión espía estadounidense, derribado dos años antes en territorio ruso.

La noticia surge pocos días después de confirmarse que 'Hail Caesar' será lo próximo que rueden los Coen tras dirigir 'A propósito de Llewyn Davis' ('Inside Llewyn Davis', 2013). En cuanto a Spielberg, tiene la agenda cargada de proyectos pero se supone que lo más inmediato es adaptar al cine 'El gran gigante bonachón' ('The BFG'), un cuento de Roald Dahl.

PD: Spielberg ya ha dirigido a Hanks en tres películas: 'Salvar al soldado Ryan' ('Saving Private Ryan', 1998), 'Atrápame si puedes' ('Catch Me if You Can', 2002) y 'La terminal' ('The Terminal', 2004).

Vía | The Hollywood Reporter

Domingo de resaca para los futboleros (anoche vimos el mejor thriller del año), para los afortunados que están en Cannes (la Palma de Oro se va a Turquía) y de elecciones europeas para los que aún creen que sirve de algo votar (a los dos grandes partidos)... pero también es el día de la toalla y los frikis.

Y es que hoy se celebra el orgullo friki. Lo es porque hace 37 años se estrenó 'La guerra de las galaxias' ('Star Wars', George Lucas, 1977), aunque como sabéis los fans de la saga galáctica prefieren otra fecha del calendario: el 4 de mayo. El 25 de mayo es también el día en el que los seguidores de Douglas Adams le rinden homenaje llevando a todas partes una toalla, elemento fundamental para cualquier autoestopista galáctico.

Como apasionado del séptimo arte, las dos celebraciones suponen una excusa perfecta para repasar y comentar títulos imprescindibles. A continuación os dejo una lista de 25 películas que todo friki ya debería haber visto:

'El imperio contraataca' ('Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back', 1980)

No es mi preferido (el del 77 siempre me ha parecido el más divertido) pero reconozco que en el episodio dirigido por Irvin Kershner, más dramático y oscuro, se encuentran las escenas más logradas de la saga. Para la posteridad, el duelo entre Luke Skywalker y Darth Vader...

'Serenity' (2005)

Joss Whedon, uno de los iconos de referencia para el friki, retomó a los personajes de la excelente y maltratada serie 'Firefly' (2002-2003) y los llevó al cine, dejando posiblemente la mejor aventura espacial desde 'Star Wars'. 'Los Vengadores' están en buenas manos.

'Zombies Party: Una noche... de muerte' ('Shaun of the Dead', 2004)

Edgar Wright inició su trilogía del Cornetto con esta revisión cómica de los tópicos, personajes, diálogos e historias con muertos vivientes, sin dejar de tocar los temas que le interesan como cineasta.

'Scott Pilgrim contra el mundo' ('Scott Pilgrim vs. the World', 2010)

Cuando Marvel fichó a Edgar Wright para 'Ant-Man', aplaudimos el fichaje porque teníamos en mente las secuencias de acción que filmó para la adaptación del cómic de Bryan Lee O'Malley. Lamentablemente, nos quedaremos sin ver lo que tenía en mente el realizador inglés...

'Regreso al futuro' ('Back to the Future', 1985)

Todo adolescente con afición al cine fantástico ha querido ser Marty McFly, viajar en el tiempo y vivir aventuras contra toda lógica. Sigue siendo una gozada este trabajo de Robert Zemeckis.

'Planeta prohibido' ('Forbidden Planet', 1956)

Esta selección no estaría completa sin una necesaria mención a la "sci-fi" clásica. Por ser todavía una fuente de referencias y por mantener intacta su capacidad para entretener, me quedo con este film realizado por Fred M. Wilcox.

'El ejército de las tinieblas' ('Army of Darkness', 1992)

Dice Sam Raimi que no concibe una película de sustos sin risas. Si te pasa lo mismo, tienes que haber visto su trilogía de Evil Dead. De las tres, me quedo con la aventura más épica y disparatada de Ash.

'Akira' (1988)

Katsuhiro Ôtomo parte de su manga para orquestar un título que inició a muchos en el anime. Puede que desbarre en su parte final pero sus potentes imágenes quedan grabadas en las retinas...

'Battle Royale' (2000)

Y aquí una que invitó a muchos a probar cine asiático. Kinji Fukasaku lleva a la gran pantalla la novela de Koushun Takami con el carismático Takeshi Kitano como gran estrella. La trama es irresistible: en el futuro, la población es un problema y las escuelas son un caos, así que el gobierno organiza una competición mortal entre estudiantes. Tiene todo lo que le falta a 'Los Juegos del Hambre' ('The Hunger Games').

'Pacific Rim' (2013)

¡Transformers contra Godzillas! El sueño de todo friki. No disfruté con este aparatoso espectáculo de "mechas" y "kaijus" firmado por Guillermo del Toro (prefiero su visión de Hellboy) pero tiene secuencias divertidas y destellos de ingenio en la puesta en escena. Y hay criaturas gigantes destrozándose a golpes, más una japonesa guapa. Eso mola sí o sí.

'Matrix' (1999)

Es el equivalente a '2001' para los gafapastas. Los hermanos Wachowski asombraron a Hollywood y arrasaron en taquilla con este espectacular mix cargado de referencias, acción desatada y filosofía de instituto que se vendió como "la nueva Blade Runner"...

'El planeta de los simios' ('Planet of the Apes', 1968)

Franklin J. Schaffner nos dejó un clásico de imágenes y diálogos memorables cuando trasladó a la gran pantalla la novela de Pierre Boulle. El éxito generó un buen número de secuelas y un reciente “reboot” que tendrá continuación en breve. Los simios nunca pasan de moda.

'La cabaña en el bosque' ('Cabin in the Woods', 2011)

Drew Goddard (que acaba de seguir el ejemplo de Edgar Wright y ha dejado Marvel) contó con la colaboración de Whedon para diseñar una propuesta que juega con (casi) todos los clichés del cine de terror para ofrecer un plato diferente y cargado de sorpresas.

'Guía del autoestopista galáctico' ('The Hitchhiker's Guide to the Galaxy', 2005)

Garth Jennings fue el encargado de dirigir una esperada adaptación. La irregularidad de la narración y la falta de chispa en la puesta en escena se compensan con un acertado reparto, el encanto del diseño de producción y las tronchantes ocurrencias de una obra que no deja de captar fieles.

'El señor de los anillos: El retorno del rey' ('The Lord of the Rings: The Return of the King', 2003)

Peter Jackson aceptó el reto de trasladar a la gran pantalla la obra más popular de Tolkien con una ambiciosa trilogía que arrasó en taquilla y en los Oscar. Once estatuillas se llevó la tercera parte, la más emocionante pese a un final alargado en exceso.

'Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores' ('Monty Python and the Holy Grail', 1975)

Terry Gilliam y Terry Jones realizaron la película más tronchante de los míticos Monty Phyton, una de esas razones por las que alegrarse de estar vivo.

'Star Trek II: La ira de Khan' ('Star Trek: The Wrath of Khan', 1982)

El título más emocionante de la franquicia creada por Gene Roddenberry con William Shatner y Leonard Nimoy como protagonistas. Nicholas Meyer la dirigió y J.J. Abrams la reinterpretó con 'Star Trek: en la oscuridad' ('Star Trek Into Darkness', 2013).

'Los cazafantasmas' ('Ghost Busters', 1984)

Uno de esos clásicos ochenteros con los que muchos crecimos y nos hicimos cinéfilos. De ahí que quizá los sobrevaloremos, les tenemos cariño. Ivan Reitman firma esta disparatada y encantadora comedia fantástica que Hollywood intenta ahora relanzar para las nuevas generaciones.

'Indiana Jones y el templo maldito' ('Indiana Jones and the Temple of Doom', 1984)

La más siniestra, violenta y cómica entrega de la saga creada por Lucas y Steven Spielberg. Mi favorita desde niño, con ese delicioso arranque a lo 'Casablanca'. El arqueólogo más famoso del cine se aleja de los nazis y se embarca en una misión que casi le cuesta el alma...

'Kill Bill' (2003/2004)

Quentin Tarantino dice que solo hace películas para sí mismo, y los demás estamos invitados a verlas. En esta ocasión nos propone disfrutar de una épica venganza que le permite incluir homenajes en casi cada fotograma al cine de artes marciales, el western, series de televisión... todo vale.

Lo dejo aquí. Sí, son 20, no me he equivocado contando. Quiero que vosotros decidáis qué otras 5 películas deben completar esta lista. Mañana actualizaré el post e incluiré los títulos más votados en los comentarios. Tenéis la palabra.

• 'Juegos de guerra' ('WarGames', John Badham, 1983)

• 'Ghost in the Shell' ('Kokaku kidotai', 1995) de Mamoru Oshii

• 'La princesa prometida' ('The Princess Bride', 1987) de Rob Reiner

• 'Los Goonies' ('The Goonies', 1985) de Richard Donner

• 'Gremlins' (1984), de Joe Dante

¿Quién no se ha sorprendido en una disputa imaginaria con alguno de sus críticos favoritos? Es tan fácil como incluso agradable, en compañía de amigos o a veces únicamente del pensamiento, juzgar inútil su criterio o, con aires de inequívoca condescendencia, marcar las líneas de aciertos y defectos, penetración y desvarío desde un lugar privilegiado. En nuestro momento más severo, somos capaces de ver al crítico como un animal frígido y gruñón, deprimido y sin capacidad para el placer, hundido por la exigencia y no aventajado por ella.

No es una costumbre que haya perdido yo. Con los críticos debe mantenerse siempre, al menos al principio, una relación intensa: ¿cuantas veces me he enfadado por los engoriles de Jonathan Rosenbaum? ¿Por qué Jordi Costa escoge éste y no aquél ángulo? Preguntas casi siempre vanas. Sin embargo, me pregunto qué hay en lo más íntimo del reproche común y tengo una humilde respuesta.

Escribí ya sobre la predisposición. Me sorprendo ahora considerando un factor que ya entonces trataba, el del tiempo. Y vuelvo al principio ¿qué se esconde tras nuestra decepción o desdén con aquellos críticos que, en buenos momentos, nos facilitaron destinos y nos enseñaron opiniones?

Yo creo que en el fondo de estos reproches hay algo parecido a una disputa amorosa. Como el amante de repente incomprendido y desorientado por los cambios no consultados, le decimos al crítico ¿eh, adónde vas sin mi? Como el amante, usamos el pasado como fuente de legitimidad: tú no eras así, decimos, tú antes sabías entenderme. Porque eso es lo que nos gusta de la crítica.: que nos proporciona sabiduría y nos ayuda a elaborar nuestro criterio, siendo una herramienta más útil de lo que, en tiempos de consumo masivo y subjetividad diluida, gusta pensar a los más cínicos.

¿Entonces? Viene la distancia, el desencanto, la agresividad: son otros críticos nuestros orientadores y los antiguos pasan a ser conservadores o cualquiera que sea el adjetivo que utilicemos con connotaciones negativas. Como el amante, correspondido en un pasado que solamente puede agrandarse, creemos que nos irá mejor sin ellos pero ¡ah! si el recuerdo acecha y la relectura amenaza...

"Evolucionar constituye una infidelidad: a los demás, al pasado". Es la escena más viva y más hermosa de la primera película de Jonás Trueba, 'Todas las canciones hablan de mí' (id, 2009). Las palabras no son del cineasta sino del magnífico escritor Hanif Kureishi y su Intimidad, una sobresaliente novela de adulterio.

¿No es nuestro reproche fundamentalmente incorrecto? Un crítico tiene deberes, naturalmente: necesitamos esperar de él rigor, exigencia intelectual, buena escritura, perspectiva y, cuanto más sofisticada sea nuestra visión del lenguaje cinematográfico, incluso sus propias articulaciones estéticas. Pero también debería tener derechos, y el derecho a envejecer, a cambiar de opinión, a traicionarse a sí mismo, a ver otras películas que antes pasaron desapercibidas y a ignorar aquellas que en sus días de juventud hubieran provocado su entusiasmo es uno de ellos.

¿No pasa en el amor? Se evaporan los amores de adolescencia y dan paso a otros, y a otros, y en cada mirada, un nuevo aprendizaje. El otro día tuve quizás el más insólito de los amores traicionados. Revisé la película de Steven Spielberg 'Encuentros en la tercera fase' (Encounters of the third kind, 1977).

No puedo decir que la película fuera insatisfactoria: encontré razones para explayarme en solitario sobre sus aciertos estructurales, sonoros o visuales, y no he puesto este ejemplo para que los aburridos vindicadores del cineasta me llamen snob. De hecho, me pareció interesante revisarla atendiendo al lenguaje de Spielberg, al que ya no soy, desde luego, un recién llegado. Pero en la estructura íntima de la película ya no era posible encontrarme.: la historia de un padre americano que busca la trascendencia y la encuentra en la otredad de unos alienígenas buenrolleros me aburría profundamente. Y no pasaba nada; también los críticos tienen su debido tiempo. Y por eso mismo, conviene leerlos y releerlos: porque también algún día nuestros ojos no verán asombro en los mismos cielos.

Muchos aún estaréis recuperándoos anímicamente del catastrófico partido del viernes entre España y Holanda, pero va siendo hora de dejarlo atrás y una de las mejores maneras para conseguirlo es ver lo que hemos descubierto a lo largo y ancho de la red para nuestra sección Hay más cine ahí fuera de esta semana. Batman, la relación entre George Lucas y Steven Spielberg, Godzilla o Los Vengadores son algunos de los protagonistas del menú de hoy.

• Mi compañero Juan Luis no escribe únicamente por aquí y os recomendaría encarecidamente echar un vistazo a esta selección de 13 momentos tecnológicos de miedo en el cine y la televisión que hizo hace unos días para Xataka.

• En Hitfix podréis leer un interesante texto -¡mucha atención a las imágenes!- sobre la amistad entre George Lucas y Steven Spielberg y cómo fueron felicitándose mutuamente cuando uno conseguía superar lo logrado por el otro. Y no os perdáis tampoco el contenido adicional con lo que Lucas hizo cuando 'Titanic' (James Cameron, 1997) se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos.

• 'Guardianes de la galaxia' ('Guardians of Galaxy', James Gunn, 2014) seguramente sea la película más arriesgada de Marvel hasta la fecha, pero son ya muy pocos los que dudan de su éxito. Para ir abriendo el apetito antes de su estreno, en De Fan a Fan tenéis los últimos carteles oficiales de la película y también una selección de preciosos pósteres hechos por fans.

• Somos muchos los que estamos deseando ver 'Los Vengadores 2: La era de Ultrón' ('Avengers: Age of Ultron', Joss Whedon, 2015) tras lo entretenida que fue la primera entrega, pero por ahora son pocas las cosas que se saben sobre ella más allá de los integrantes de su reparto. Un poco más arriba tenéis el nuevo look del Capitán América y en Sensacine encontraréis spoilers detallados sobre cómo se supone que serán los primeros 20 minutos de la película.

• Batman está celebrando su 75 aniversario siendo aún uno de los superhéroes más queridos por el público. En Warner han lanzado una minuciosa infografía sobre los hechos clave en la historia del personaje en todos los medios de expresión, mientras que en Desvaríos Varios han aprovechado para hacer un breve repaso cronológico a sus apariciones en la pequeña y la gran pantalla.

• Y para despedirme por hoy, un jugoso artículo en Dread Central sobre la película de Godzilla que Joe Dante estuvo a punto de dirigir hace unos años con Bruce Campbell, Christopher Lee o Jamie Lee Curtis entre sus protagonistas.

Os recuerdo que podéis hacernos llegar vuestras sugerencias a través del siguiente formulario de contacto. ¡Hasta la semana que viene!

El (innecesario) remake de 'De tal padre, tal hijo' ('Soshite chichi ni naru', 2013) está más cerca. Como recordaréis, Steven Spielberg presidió el Festival de Cannes el año pasado y aunque la Palma de Oro fue para 'La vida de Adèle' ('La vie d'Adèle - Chapitre 1 & 2', Abdellatif Kechiche, 2013), el cineasta quedó conmovido por la película de Hirokazu Kore-eda y pidió a DreamWorks que comprara los derechos para realizar una nueva versión en inglés.

Si bien en un principio se rumoreó que el propio Spielberg se encargaría de la puesta en escena, han surgido otros proyectos que le han interesado más (una adaptación de Roald Dahl y un thriller bélico con Tom Hanks) así que finalmente serán Paul y Chris Weitz quienes escriban y dirijan la nueva versión del film japonés.

Los hermanos Weitz son responsables de 'American Pie' (1999) y 'Un niño grande' ('About a Boy', 2002), a partir de las cuales iniciaron carreras por separado. Curiosamente, en el mismo año ambos adaptaron historias vampíricas para adolescentes, el primero dirigió 'El circo de los extraños' ('Cirque du Freak: The Vampire's Assistant', 2009) y el segundo 'La saga Crepúsculo: Luna nueva' ('The Twilight Saga: New Moon', 2009).

La historia de 'Del tal padre, tal hijo', estrenada en España a finales de noviembre, gira en torno a un matrimonio que descubre que cuando nació su hijo hace seis años, el hospital cometió un error y le entregaron el bebé equivocado. Por ahora no hay fecha para el estreno del remake, que será peor que la original pero sin duda funcionará mucho mejor en taquilla.

Vía | Variety

Michael Bay sigue amasando millones con 'Transformers: La era de la extinción' ('Transformers: Age of Extinction', 2014), película que está arrasando en China, país en el que se filmó parte de la película y donde la recaudación supera a la taquilla estadounidense por 30 millones de dólares. Con todo, la taquilla americana ha bajado un 20% su recaudación con respecto al año pasado. Demasiado.

En segundo lugar ha entrado 'Tammy' (id, Ben Falcone, 2014), la nueva película al servicio de la actriz Melissa McCarthy, en la que da vida a una mujer que tras perder el trabajo y descubrir que su marido le ha sido infiel decide irse de viaje con su abuela alcohólica. Susan Sarandon y Kathy Bates también aparecen por ahí. Tanto la crítica como el público votante en la IMDb le han hecho ascos al film. Algún fía caerá por estos lares.

'Líbranos del mal' ('Deliver Us From Evil', SCott Derrickson, 2014), la historia de un policía (Eric Bana) que investiga una serie de asesinatos rituales, no ha convencido a la crítica, mientras el público votante se muestra más satisfecho. La cinta de terror llegará a nuestras pantallas enseguida, el 5 de septiembre.

'Earth to Echo' (Dave Green, 2014) narra la historia de un grupo de amigos embarcados en una aventura con un extraterrestre que necesita ayuda. La sombra de Steven Spielberg es enorme. Tanto crítica como público votante se muestran satisfechos sin emocionarse demasiado.

Vía | IMDb

'Transformers' es una mina de oro. A pesar de estar recibiendo las peores críticas de la saga, la cuarta entrega de la serie de películas basadas en la franquicia de juguetes de Hasbro está arrasando en taquilla desde su estreno el pasado 27 de junio (en España podréis verla el 8 de agosto).

'Transformers: La era de la extinción' ('Transformers: Age of Extinction') ha recaudado ya 180 millones de dólares en Estados Unidos, convirtiendo a Michael Bay en el segundo director más taquillero de la historia. El director ha superado la barrera de los dos mil millones en el box office estadounidense, adelantando en la tabla a Robert Zemeckis. El primero, y con mucha diferencia, sigue siendo Steven Spielberg con casi el doble de dinero obtenido por Bay.

Por otro lado, 'Transformers 4' ya es la película más taquillera de la historia en China tras superar los 221,9 millones logrados por 'Avatar' (James Cameron, 2009). Y lo ha conseguido en solo dos semanas. Increíble. Parte del éxito se debe a que hay dos actores chinos en el reparto y a que el tercer acto tiene lugar en dicho país, una jugada que, en vista de los resultados, podría conducir a una nueva moda en Hollywood. Todo por la pasta.

PD: Paramount Pictures ya tiene en marcha Transformers 5 y 6. Lógico.

Vía | HollywoodReporter y ComicBook

Definitivamente, los gremlins volverán a la gran pantalla. Hace años que se baraja esta posibilidad (en 2010 se dijo que Joe Dante filmaría un remake en 3D) pero es ahora cuando el proyecto empieza a tomar forma con el fichaje de Chris Columbus como productor. Asimismo, Columbus se ha incorporado a 'Los Goonies 2' para ayudar en labores de producción a Richard Donner, quien confirmó la secuela el pasado mes de abril.

Cabe destacar que Columbus, director de, entre otras, las dos primeras entregas de la saga 'Harry Potter', es el guionista tanto de 'Gremlins' (Joe Dante, 1984) como de 'Los Goonies' ('The Goonies', R. Donner, 1985), así que su incorporación a ambos proyectos debería tranquilizar a los fans de estos clásicos ochenteros. Aunque de momento solo es un rumor, parece que Steven Spielberg (productor de los originales) también está implicado en la nueva secuela de Gremlins.

Por ahora no hay fecha para el comienzo de los rodajes ni previsión de cuándo podrían estrenarse. Mientras tanto, Columbus se centra en el rodaje de su nuevo trabajo, 'Pixels', una comedia basada en este corto de Patrick Jean en la que unos personajes de videojuegos de los '80 atacan Nueva York.

Vía | /Film

Admito que la nostalgia por el cine comercial estadounidense de los ochenta ha calado en varias generaciones. La primera sería la que creció viendo aquellas películas y la segunda, la mía, la que las vio en televisión en la edad adecuada. Esta falsa nostalgia es un fenómeno que me interesa particularmente, pero no lo vamos a discutir hoy. Hoy hablaremos de 'Super 8' (id, 2011), una película que se ha ganado mi aprecio en revisiones.

La película partía de una magnífica idea publicitaria.: JJ Abrams, el talentoso escritor-director-productor, dirigía un proyecto de aventuras inspirado en las películas que dirigió y/o produjo e ideó Steven Spielberg. La pregunta es ¿Pero es esta película un ejemplar de cine de antaño? En este caso, antaño entendido como el cine de la productora Amblin. Mi respuesta es no, y creo que esa es una noticia estupenda. Voy a explicarme.

Poblados y Guiones

De las cinco películas que ha dirigido JJ Abrams (la quinta está todavía gestándose), 'Super 8' es la única que cuenta con un guión con su firma. Las películas de la factoría Amblin en las que se inspira podrían ser 'Gremlins' (id, 1984) dirigida por Joe Dante a partir de un libreto de Chris Columbus, 'Los Goonies' (The Goonies, 1985) dirigida por Richard Donner partiendo de una historia de Steven Spielberg con guión de Columbus también y seguramente 'E.T. El Extraterrestre' (ET The Extraterrestrial, 1982) del propio Spielberg con guión de Melissa Mathison. Podríamos añadir 'Exploradores' (Explorers, 1985) de Dante, con guión de Eric Luke, y sin el sello de Amblin detrás.

¿Qué elementos tienen en común estas películsa? Bien. Tanto Goonies como E.T. tienen un grupo de niños valientes protagonistas y un pueblo como centro del misterio sobrenatural. En E.T. tenemos a un niño con un conflicto familiar, en evidentes problemas. Y respecto a Gremlins, la organización social de un pueblo se ve trastocada por la llegada de una criatura sobrenatural, contando con la complicidad relativa de un profesor de instituto.

Pero ¿qué diferencias hay? Hemos visto los parecidos y cualquier espectador puede detectarlos, incluso también en la decisión más obvia, la de situar la película a finales de los setenta, en una época cercana a la de estas películas. ¿Y qué diferencias hay? En el guión de J.J. Abrams se ahonda, de manera sutil pero arriesgada, en el conflicto familiar: el niño protagonista es el hijo de un sheriff (Kyle Chandler) y una madre fallecida que murió por cubrir al padre de la adolescente de la que terminará enamorado. En una secuencia brutal, la niña le cuenta a él el desastre.

De hecho, a diferencia de las películas de los ochenta, Super 8 habla de una posibilidad de empatía y otra de perdón. El mundo de los adultos aquí es frágil, tan frágil como la estructura social que se vuela por los aires, y está lleno de heridas. El último acto, quizás el más discutible del guión, no logra casar bien dos puntos dramáticos magníficos: la idea de que los enamorados descienden de dos personas qu tal vez fueran amantes (la película tiene la audacia de ser ambigua) y de que el monstruo es solamente una criatura dolorosa, que ha sido torturada por un ejército cuya actitud es, en el mejor de los casos, violenta, hermética y cuestionable.

Una personalidad diferente

El tono de Spielberg es mucho más clásico que el de Abrams, también busca planos más llevados por la dulzura. Abrams es un director de registros variados. ¿Un ejemplo? Su dominio de la síntesis. Para contar la tragedia usa apenas seis planos. Esta habilidad para la síntesis visual de carácter narrativo es directamente contemporánea de Pixar, también muy hábil en prescindir de la palabra para contar algo.

No conviene, por cierto, evitar halagar la escritura de Abrams. En consonancia con su sentido visual, la escritura usa una escena en apariencia verosímil (la preocupación de quienes asisten al funeral) para darnos un montón de información dramática y presentar a los personajes desde su conflicto. Siendo un artificio no lo parece. ¡Y es un hallazgo estupendo!

Pero Abrams añade también muchísima velocidad en la concepción de las escenas, empezando por la cámara. Su película está llena de movimientos de grúa, de travellings laterales, de contrapicados. Está claro que se remite a algunos motivos visuales del Spielberg de 'E.T.' y de 'Encuentros en la tercera fase' (Encounters of the third kind, 1977).

Es un director talentoso, pero, y esto es más importante, es un director que ni siquiera busca exactamente el estilo ajeno. Es cierto que la banda sonora -estupenda - de Michael Giacchino puede ser comparado con los mejores hallazgos de Jerry Goldsmith o John Williams, pero funciona con sus propias singularidades y velocidades. Y el mejor momento, en el que música y la escritura de Abrams se dan la mano está resuelto de una manera visualmente novedosa.

Cuando el protagonista asiste a la confesión de su amada de la naturaleza injutsa del accidente, pues su madre estaba cubriendo el puesto a una irresponsabilidad del padre de ella....el director Abrams encuentra su inspiración en términos compositivos. El relato llega a una textura íntima pues, en un artificio hermoso, una cinta de la madre comienza a proyectarse. Y Abrams demuestra su valía.

¡Qué momento más hermoso! Primero Abrams cede al chico y a su madre la dinámica del plano/contraplano. A sabiendas de que ella es quien arrastra la culpa, la incorpora en un plano medio. ¡Dejando al chico herido en profundidad de campo! Con pura narrativa visual, Abrams nos lleva de un punto de vista a otro. Y esta me parece, sin dudarlo, la mejor secuencia que ha rodado en su hasta ahora breve carrera cinematográfica.

Como hemos visto, la nostalgia de Super 8 es en realidad falaz: la película es su propio relato y aunque se apropia de algunos motivos argumentales o visuales de sus referentes, les da un sentido completamente distinto.

Como la mano estrechada al final, que no indica asombro o descubrimiento mesiánico, como en las películas de Spielberg. Lo que indica aquí es la posibilidad del perdón y el amor.

Tal día como hoy, el 28 de julio de 1914 daba comienzo la I Guerra Mundial, también conocida como la Gran Guerra, la cual dejó numerosas víctimas —se le considera el quinto conflicto bélico con más muertes en la historia de la humanidad—, dejando su eco en el séptimo arte a través de películas absolutamente imprescindibles, alguna de ellas poderosos alegatos anti belicistas.

Para homenajear en Blogdecine dicho eco vamos con una de esas sempiternas listas que tanto debate provocan. Films ambientados en la I Guerra Mundial, ya sea con la misma como escenario físico, o aquellos en los que se narran las consecuencias del conflicto.

Como casi siempre, diez títulos, en orden cronológico; el top ten es cosa vuestra.

'El gran desfile' ('The Big Parade', King Vidor, 1925)

Una de las películas más conmovedoras de su director en su etapa muda —de la que recomiendo prácticamente todo—, narra la historia de un joven hijo de buena familia, que se alista para la guerra en Europa. En Francia hará amistades inolvidables y conocerá el amor en brazos de una francesa. Es realmente emotivo la secuencia de la partida al frente, con la mujer despidiéndose de su amado. La parte final es antológica, y deja mudo, nunca mejor dicho.

'Alas' ('Wings', William A. Wellman, 1927)

La primera película que tuvo el honor de ganar el Oscar a la mejor película —junto con 'Amanecer' ('Sunrise', F.W. Murnau, 1927), ya que ese premio se dividía en dos categorías— es también el film mudo más conocido de su director, el imprescindible William A. Wellman. Narra un triángulo amoroso, muy en la línea de Wellman, entre dos hombres, uno rico y el otro de clase media, que se enamoran de la misma mujer, convirtiéndose ambos en pilotos de combate. Grandiosas secuencias aéreas. El film también ganó el premio a los mejores efectos.

'Sin novedad en el frente' ('All Quiet on the Western Front', Lewis Milestone, 1930)

Otra ganadora del Oscar a la mejor película, que también otorgó su segunda estatuilla consecutiva a Milestone como mejor director. La historia de un joven soldado que combate en el frente y queda profundamente herido y decepcionado por el horror sufrido en la guerra es de la que no se olvidan. La escena final, de un arrebatador lirismo, es justamente legendaria. Pocos planos cinematográficos han dicho tanto.

'Remordimiento' ('Broken Lullaby', Ernst Lubitsch, 1932)

Ernst Lubitsch es normalmente conocido por sus comedias, hilarantes la mayoría, con una brutal capacidad de síntesis. Curiosamente, cuando se trata de drama el director alemán pone igualmente toda la carne en el asador. La presente narra la historia de un soldado francés que mata a un enemigo alemán, y arrepentido, visita a su familia después de la Guerra, descubriendo que era, como él un apasionado músico. Hora y cuarto de pura emoción en un film a reivindicar urgentemente.

'La reina de África' ('The African Queen', John Huston, 1951)

Una de las películas más famosas de John Huston, a cuyo renombre ayudó sobremanera la química entre la pareja protagonista, formada por Humphrey Bogart y Katharine Hepburn. Ambientada en el Congo cuenta cómo una misionera y un rudo capitán de una embarcación huyen en su destartalado barco de los alemanes a través de un río sorteando todo tipo de peligros. De caracteres totalmente diferentes irán conociéndose y entendiéndose hasta comprender que deben unir fuerzas para acabar con un enemigo común. Merecido Oscar para Bogart.

'Senderos de gloria' ('Paths of Glory', Stanley Kubrick, 1957)

Mi película preferida de Kubrick, prohibida en nuestro país hasta 1986 debido a la imagen que da de los altos mandos militares. Un relato terrorífico, de una extrema sensibilidad y secuencias inolvidables, tanto bélicas —la marcha de las tropas al son de un silbato— como íntimas. El consejo de guerra más terrible de toda la historia del cine. Desoladora. Única.

'Lawrence de Arabia' ('Lawrence of Arabia', David Lean, 1962)

Uno de los títulos más míticos de la filmografía de David Lean, que dio fama internacional a Peter O'Toole. Espectacular biopic sobre T.E. Lawence, militar británico que fue enviado a apoyar a los árabes contra Turquía mientras aquél alcanza la categoría de leyenda. Pocas veces el desierto lució tan bien en una pantalla de cine. Lluvia de Oscars.

'Johnny cogió su fusil' ('Johhny Gots His Gun', Daltom Trumbo', 1971

La única película como director del prestigioso guionista Dalton Trumbo, uno de los más perseguidos en la caza de brujas del senador McCarthy. Adaptando su propia novela, Trumbo narra la historia de un joven soldado herido de gravedad en la Gran Guerra, y su posterior experiencia en un hospital. De una enorme sobriedad y ni una sola concesión al público, muestra a un director muy inspirado, sobre todo en el enfrentamiento entre el blanco y negro y el color. Sobrecogedor final.

'Gallipoli' (id, Peter Weir, 1981)

Uno de los grandes éxitos del cine australiano, que narra una historia de amistad entre dos corredores y su experiencia en la sangrienta batalla del título, en la que murieron muchos de los soldados más jóvenes. Mel Gibson abriéndose camino y un Weir que, ya por entonces, demostraba un buen tino eligiendo temas musicales ya compuestos; destaca el 'Oxygene' de Jean-Michel Jarre.

'War Horse' (id, Steven Spielberg, 2011)

Tercer relato bélico de Spielberg, narrando la historia de un caballo que pasa de dueño a dueño mientras sirve en el frente de batalla. Con claros ecos del título citado de Kubrick, también recupera una forma de hacer cine, la que tenían en los años 30 y 40 directores como Victor Fleming. Impresionante uso del fuera de campo.

En 2008, contaba yo con veinte años y caí, como no podía ser de otra manera, en el huracán publicitario que anunciaba el nuevo Indiana Jones como una especie de salvación ante un cine de acción aparentemente más vulgar y menos mágico. La nostalgia de cierto cine comercial norteamericano de los años ochenta no era real.

Nacido en 1988, mi recuerdo de las películas de esa década es de segunda clase.: las vi por vez primera en televisión y nunca fueron experiencias tan constituyentes como el Disney del Renacimiento o la primera 'Toy Story' (id, 1995). La publicidad, como siempre sucede cuando triunfa, me convenció de algo que no era real: que necesitaba y añoraba esas películas. En realidad, no. Pasados ya unos cuantos años, 'Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal' (Indiana Jones and the Kingdom of Crystal Skull, 2008) nos puede servir para discutir de temas a partir de un ejemplo concreto. El tema es ¿cómo era ese cine de antaño? ¿Recuperó la película ese cine de antaño? ¿De verdad eran lo mismo?

En este caso, haré un examen de un director, el más emblemático, Steven Spielberg y del estilo que emplea en tres de sus Indiana Jones.: 'En busca del arca perdida' (Raiders of the Lost Ark, 1981), 'Indiana Jones y la última cruzada' (Indiana Jones and the last crusade, 1989) y esta última. Obvio la segunda entrega porque le dedicaré su propio post.

Condiciones técnicas

El cine se transforma. Las dos primeras entregas de Indiana Jones contaban todavía con la presencia de efectos visuales de viejo cuño (maquetas, maquillajes, efectos ópticos) frente a la cuarta, que se estrena en una época de esplendor digital. Este cambio es significativo.: la imaginación digital permite secuencias de acción más espectaculares respecto al sentido de la escala (ya no importa la altura del edificio, el número de explosiones, la presencia de uno o varios monstruos) mientras que los efectos de la década de los ochenta permitían, con todo, secuencias llenas de acrobacias, gracias al trabajo de especialistas y a la evolución de las cámaras.

A todo esto hay que sumarle un cambio de los patrones de montaje. El cine contemporáneo se caracteriza por planos hiper-cortos y por haber logrado este estilo compositivo, que en la década de los ochenta era considerado frenético, poco menos que una condición normativa. A diferencia de entonces, el estilo de montaje de planos de un segundo de duración o menos se ha extendido en el audiovisual para masas de televisión.

Cambios y problemas

Los problemas de la película han sido notados ya en muchos textos. El exceso de protagonistas y aliados del héroe central; la falta de conflicto definido....Todos ellos se atribuyen al guión, que firma David Koepp, un escritor bastante distinto a los convocados anteriormente. La pelicula, significativamente, borra el elemento icónico que tan hábilmente habían usado otras entregas. No hay Arca de la Alianza, ni Santo Grial: los protagonistas buscan un reino (que finalmente se revela extraterrestre) perdido pero el espectador no recibe mayor información. El cambio más visible y radical es el de la fotografía. Resulta deprimente ver como Janusz Kaminski, el laureado colaborador habitual de Spielberg desde 1993 (con alguna que otra excepción), opta por iluminaciones exageradas en interiores. Comparemos esto con el trabajo del legendario Douglas Slocombe, ya anciano en su colaboración con Spielberg en sus Indianas. Resulta bastante irritante la incoherencia visual asombrosa que hay entre Kaminski y el estilo hermoso.

Estilo Compositivo

Spielberg no compone del mismo modo y esta es quizás la novedad más decepcionante de la cuarta entrega. Tiene algún momento inspirado.

Pero su película, al estar tirada por los personajes y el barullo digital pierde inventiva.

No estamos ante las certezas compositivas, expresivas y acertadas de las entregas anteriores. ¿Es posible que el tiempo y la técnica hayan perdido a Spielberg para según qué aventuras? La precisión matemática de la que gozaba en los ochenta, en las aventuras del arqueólgo, me siguen pareciendo muy buenas.

Es recomendable revisar las películas con cautela, al margen de la aprobación (del todo legítima) que pueda despertar esta cuarta entrega en espectadoras y espectadores. Pero los clichés extendidos, como el de que se trata de cine de antaño, se usan con fines más publicitarios que descriptivos: como hemos visto, la película no se parece a las anteriores (visual, argumental, estilísticamente). En este caso, ha sido el tiempo el que ha sido el mejor elemento para vertebrar una discusión más calmada.

Aprovechando el reciente análisis sobre Indiana Jones de mi compañero Pablo, os traigo una peculiar ocurrencia de Steven Soderbergh. El reputado e inquieto director ha actualizado su web Extension765 publicando un montaje mudo y en blanco y negro de 'En busca del arca perdida' ('The Raiders of the Lost Ark', 1981). Y lo más llamativo: sustituye la banda sonora de John Williams por música electrónica. ¿Blasfemia?

Quizá podría calificarse como tal si la pretensión de Soderbergh fuera mejorar o sacar más partido a la película de Steven Spielberg pero nada más lejos de la realidad, su intención es didáctica y consiste precisamente en destacar la puesta en escena y el montaje de este clásico del cine de aventuras. Según ha aclarado, al quitar el color y el sonido lo que busca es evitar distracciones al espectador para que se centre en la composición de los planos y la narración en imágenes. Pinchad aquí para ver el resultado.

Recordemos que Steven Soderbergh está tomándose un descanso de la dirección cinematográfica, si bien está colaborando en el rodaje de 'Magic Mike XXL' (2015) y realizando la serie de televisión 'The Knick' (2014) protagonizada por Clive Owen.

PD: El tema que suena en el vídeo fue compuesto por Trent Reznor y Atticus Ross para 'La red social' ('The Social Network', 2010).

DreamWorks Studios ha anunciado en un comunicado oficial que Mark Rylance será el protagonista de la adaptación de ‘El gran gigante bonachón’ (‘The BFG’), que prepara Steven Spielberg. El director tomó la decisión tras verle actuar en el rodaje que está llevando a cabo actualmente, 'St. James Place', un thriller sobre la Guerra Fría donde Spielberg vuelve a colaborar por cuarta vez con su amigo Tom Hanks.

Puede que no os suene el nombre y el rostro de este inglés de 54 años porque hasta ahora no se ha prodigado mucho en el cine, lo más relevante es el papel principal en 'Intimidad' ('Intimacy', Patrice Chéreau, 2001) y secundarios en 'Prospero´s Books' (Peter Greenaway, 1991), 'Las hermanas Bolena' ('The Other Boleyn Girl', Justin Chadwick, 2008) o 'Anonymous' (Roland Emmerich, 2011); lo suyo es el teatro, donde Mark Rylance ha ganado tres premio Tony y dos Olivier. Probablemente le veremos más a menudo en la gran pantalla tras encabezar un reparto de una película de Spielberg.

Melissa Matheson, que ya colaboró con el cineasta en ‘E.T. El extraterrestre’ (‘E.T. the Extra-Terrestrial’, 1982), firma el guion basado en la novela infantil de Roald Dahl. La historia se centra en una niña huérfana que una noche descubre a un ser gigantesco, con quien entabla amistad; ambos se embarcan en una aventura para frenar un malvado plan de los otros gigantes... La filmación comenzará a principios de 2015 y el estreno está previsto para el 1 de julio del 2016.

PD: Este proyecto parece acabar de una vez por todas con la posibilidad de 'Indiana Jones 5'. Al menos con Harrison Ford de protagonista, porque es evidente que Disney no renunciará a la saga.

Vía | Comingsoon

"Siempre he querido hacer una película de espías." (Steven Spielberg)

Aquí os traigo la primera imagen oficial de la nueva película de Steven Spielberg y Tom Hanks. Seguimos sin ver prácticamente nada de esta enigmática producción escrita por los hermanos Coen que ni siquiera tiene aún título oficial (parece que provisionalmente se llama 'St. James Place') pero este thriller de espionaje ambientado durante la Guerra Fría es sin duda uno de los estrenos más esperados del año que viene. La tendremos en cartelera el 16 de octubre.

Curiosamente, ambos han ganado el Oscar en dos ocasiones, Spielberg por 'La lista de Schindler' ('Schindler´s List', 1993) y 'Salvar al soldado Ryan' ('Saving Private Ryan', 1998) mientras que Hanks fue premiado por 'Philadelphia' (1993) y 'Forrest Gump (1994). Vuelven a trabajar juntos por cuarta ocasión, antes coincidieron en 'Salvar al soldado Ryan', 'Atrápame si puedes' ('Catch Me If You Can', 2002) y 'La terminal' ('The Terminal', 2004). Vamos a quedarnos con el recuerdo de las dos primeras...

Amy Ryan, Alan Alda, Sebastian Koch, Mark Rylance y Billy Magnussen completan el reparto de lo último de Spielberg, quien como sabéis ya tiene entre manos su siguiente proyecto. No será 'Indiana Jones 5' como muchos deseábamos (Disney prefiere terminar antes la nueva etapa de 'Star Wars') sino una adaptación de 'El gran gigante bonachón' de Roald Dahl. Da igual, cualquier obra que venga firmada por el maestro será bienvenida.

Vía | EW

Continuamos echando un vistazo a las películas más esperadas de 2015. Tras repasar los títulos más destacados que llegarán a nuestra cartelera desde febrero a junio, vamos ahora con los estrenos de julio a octubre:

'Terminator: Génesis' ('Terminator Genisys')

¿Quién dirige? Alan Taylor.

¿Quiénes son los protagonistas? Arnold Schwarzenegger, Emilia Clarke, Jai Courtney, Matt Smith, Jason Clarke, J.K. Simmons...

¿Por qué interesa? Por la curiosidad de ver cómo la franquicia toma un nuevo rumbo con este reboot que juega con la historia de las dos primeras entregas orquestadas por James Cameron (dos obras maestras del cine fantástico y la acción). Recientemente apareció un nuevo spot que no invita al optimismo aunque el factor nostalgia es poderoso...

¿Cuándo se estrena? 10 de julio.

'Pan'

¿Quién dirige? Joe Wright.

¿Quiénes son los protagonistas? Hugh Jackman, Rooney Mara, Amanda Seyfried, Garrett Hedlund, Cara Delevigne...

¿Por qué interesa? Por el reparto, el realizador y un tráiler que parece anticipar un gran espectáculo.

¿Cuándo se estrena? 17 de julio.

'Ant-Man'

¿Quién dirige? Peyton Reed.

¿Quiénes son los protagonistas? Paul Rudd, Michael Douglas, Evangeline Lilly, Hayley Atwell, Corey Stoll, Jordi Mollá...

¿Por qué interesa? Porque Marvel suele ser garantía de entretenimiento y por todo el lío en el que se vio envuelta la producción tras la marcha de Edgar Wright poco antes de iniciarse el rodaje.

¿Cuándo se estrena? 22 de julio.

'Mission: Impossible 5'

¿Quién dirige? Christopher McQuarrie.

¿Quiénes son los protagonistas? Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg, Alec Baldwin...

¿Por qué interesa? Porque, salvo la fallida segunda entrega, la saga ha sido garantía de espectáculo, tensión y entretenimiento. Cruise, que repite con McQuarrie tras la infravalorada 'Jack Reacher' (2012), necesita un éxito para recuperarse de la ligera decepción comercial que supuso su anterior estreno, 'Al filo del mañana' ('Edge of Tomorrow', 2014).

¿Cuándo se estrena? 7 de agosto.

'Inside Out'

¿Quién dirige? Pete Docter.

¿Quiénes son los protagonistas? Amy Poehler, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling y Phyllis Smith ponen las voces a los personajes principales.

¿Por qué interesa? Porque es lo nuevo de Pixar desde 'Monstruos University' ('Monsters University', 2013). Durante la Super Bowl pudo verse un nuevo avance.

¿Cuándo se estrena? 14 de agosto.

'The Man From U.N.C.L.E.'

¿Quién dirige? Guy Ritchie.

¿Quiénes son los protagonistas? Henry Cavill, Armie Hammer, Hugh Grant, Alicia Vikander, Jared Harris, Elizabeth Debicki...

¿Por qué interesa? Porque es lo nuevo del director de 'Snatch' (2000), 'RocknRolla' (2008) y 'Sherlock Holmes' (2009), entre otras. Y porque adapta a la gran pantalla una popular serie de televisión (conocida en España como 'El agente de CIPOL') con una pareja formada por Superman y el Llanero Solitario.

¿Cuándo se estrena? 14 de agosto.

'Cuatro Fantásticos' ('The Fantastic Four')

¿Quién dirige? Josh Trank.

¿Quiénes son los protagonistas? Miles Teller, Kate Mara, Michael B. Jordan, Jamie Bell, Toby Kebbell...

¿Por qué interesa? Porque el responsable de 'Chronicle' (2012) ya ha demostrado que puede aportar una visión diferente y fresca al (por lo general aburrido) subgénero de superhéroes. El primer tráiler ha dejado buenas sensaciones...

¿Cuándo se estrena? 21 de agosto.

'Regresión' ('Regression')

¿Quién dirige? Alejandro Amenábar.

¿Quiénes son los protagonistas? Ethan Hawke, Emma Watson, Aaron Ashmore, Devon Bostick, David Thewlis...

¿Por qué interesa? Porque es lo nuevo de Amenábar tras la decepción de 'Ágora' (2009). Las dos estrellas protagonistas aumentan el interés. Puede ser el gran éxito español del año, con permiso de la propuesta familiar 'Atrapa la bandera'.

¿Cuándo se estrena? 25 de septiembre.

'Crimson Peak'

¿Quién dirige? Guillermo del Toro.

¿Quiénes son los protagonistas? Jessica Chastain, Tom Hiddleston, Mia Wasikowska, Charlie Hunnam, Doug Jones...

¿Por qué interesa? Por el director, los protagonistas y el misterio que la envuelve (todavía no hay ni un mísero teaser al que hincar el diente).

¿Cuándo se estrena? 9 de octubre.

'St. James Place' (título provisional)

¿Quién dirige? Steven Spielberg.

¿Quiénes son los protagonistas? Tom Hanks, Amy Ryan, Mark Rylance, Alan Alda, Billy Magnussen...

¿Por qué interesa? Mirad de nuevo quién dirige. Y el guion es de los hermanos Coen. Como si es un biopic de Justin Bieber.

¿Cuándo se estrena? 16 de octubre.

Continuará...

El huracán de la 87ª edición de los Oscars se ha llevado por delante una jugosa información obtenida por Deadline. Aunque todavía el proyecto está en una fase muy inicial, Steven Spielberg está dispuesto a dirigir el reboot de 'Indiana Jones' que prepara Disney, con Chris Pratt como deseado protagonista.

¿A qué esperan para contratarle? A que haya un guion. En cualquier caso, el estudio ya cuenta con el interés del cineasta, responsable de las cuatro películas anteriores sobre Indiana Jones; eso implica que está a favor de que otro actor tome el relevo de Harrison Ford. De hecho, fue Spielberg quien recomendó a Pratt para 'Jurassic World', de la que es productor ejecutivo. ¿Qué opináis: debería seguir o (ya que renuevan la saga) dejar a otro la puesta en escena?

PD: Steven Spielberg encabeza la lista de agradecimientos en los Oscars: 42 ganadores se acordaron de él. Los demás aquí.

En Warner deben estar dando saltos de alegría, pues acaban de hacerse con los derechos de 'It’s What I Do: A Photographer’s Life Of Love and War', el libro de memorias de Lynsey Addario. Imagino que ese simple dato no os dirá nada, pero supongo que la cosa cambiará cuando os enteréis de que su salto al cine estará dirigido por Steven Spielberg y protagonizado por Jennifer Lawrence.

Addario es una fotoperiodista que ha viajado alrededor del mundo cubriendo los conflictos de países como Afganistán, Irak o el Congo con el objetivo de mostrar la realidad a la gente de otros lugares. Además, fue una de las cuatro personas secuestradas durante cinco días por el gobierno libio en el 2011. Su trabajo se centra en general en los conflictos con los derechos humanos y en particular en el rol de la mujer de las sociedades que visita.

Fueron muchos los interesados en hacerse con los derechos cinematográficos de las memorias de Addario, ya que estuvo cerca de suponer una nueva colaboración entre Darren Aronofsky y Natalie Portman, Reese Witherspoon y Margot Robbie también quisieron protagonizarla y los Weinstein hicieron todo lo que estuvo en su mano para que George Clooney se encargase de su salto al cine. Mucho nivel, pero el dúo formado por Spielberg y Lawrence era prácticamente imbatible.

Se desconoce cuándo podría empezar el rodaje, por lo que no descartéis que Spielberg acabe abandonando el proyecto, algo que ha hecho varias veces durante los últimos años. De hecho, ya le hizo esa jugada hace poco a Warner con una película que acabó saliendo adelante de la mano de Clint Eastwood...

Vía | Deadline

Por fin tiene título uno de los estrenos más esperados del año. Conocido provisionalmente como 'St. James Place', el productor Marc Platt ha desvelado que el nuevo trabajo de Steven Spielberg ha sido bautizado de manera definitiva como 'Bridge of Spies' ("Puente de espías"). Hace referencia al Puente Glienicke, que conectaba a la dividida Berlín durante la Guerra Fría y se empleaba para el intercambio de prisioneros. ¿Qué os parece?

Junto a esta noticia se ha confirmado que el director volverá a contar con la música de John Williams, su más fiel colaborador (es su 27ª película juntos). No es el único viejo amigo con el que coincide Spielberg, recordemos que este thriller vuelve a reunirle con Tom Hanks, protagonista de 'Salvar al soldado Ryan' ('Saving Private Ryan', 1998), 'Atrápame si puedes' ('Catch Me If You Can', 2002) y 'La terminal' ('The Terminal', 2004).

Amy Ryan, Alan Alda, Eve Hewson y Mark Rylance también figuran en el reparto de 'Bridge of Spies', coescrita por Matt Charman y los hermanos Coen. En cines a partir del 16 de octubre.

Vía | /Film

Hazme algo parecido a lo que hiciste con 'NIMH'...pero hazlo más bonito

Con estas palabras animaba Steven Spielberg a Don Bluth a que superara las cotas de animación que había alcanzado con su primer filme en el que sería la segunda producción de la compañía para la gran pantalla. Una producción que pretendía superar lo que el antiguo animador de Disney había logrado con 'NIMH, el mundo secreto de la Sra. Brisby' ('The secret of N.I.M.H', Don Bluth, 1982) y para la que el artista se aliaría con el por aquél entonces rey Midas de Hollywood en una relación que plantearía muchas ventajas y algún que otro gran inconveniente.

Sea como fuere —a lo largo del artículo veremos con más detalle los quebraderos de cabeza que le acarreó a Bluth el aprovechar la oportunidad del mayor impacto comercial que le ofrecía Spielberg para su filme— lo cierto es que cuando hablamos de 'Fievel y el nuevo mundo' ('An American Tail', Don Bluth, 1986) lo hacemos de una cinta por la que no pasa el tiempo; un clásico del cine de animación en general y de los años ochenta en particular al que poco le importan innumerables revisiones y que, comprobado por activa y por pasiva, funciona indefectiblemente con las nuevas generaciones igual que lo hizo con los peques —y no tan peques— de hace casi 30 años.

Si no está roto, ¿por qué arreglarlo?

Aunque sea una afirmación hecha desde el completo desconocimiento, no creo que sea muy descabellado pensar que, con lo bien que le había funcionado la idea de una película protagonizada por ratones —y ratas—, a la hora de abordar su siguiente producción Bluth contemplara con muy buenos ojos la idea de seguir abundando en el mundo de los roedores. De hecho, fue insistencia del cineasta el transformar el concepto original de un mundo completamente animal en uno similar al que ya habíamos visto en 'NIMH' o, por ejemplo, en 'Los rescatadores' ('The Rescuers', John Lounsbery, Wolfgang Reitherman y Art Stevens, 1977): el de una sociedad oculta y paralela a la humana.

Inicialmente reacio a cambiar lo que le parecía un punto de partida genial, fue tras el visionado de la cinta de Disney que Steven Spielberg, que se había asociado a Bluth a través de Amblin en 1984, dio su brazo a torcer, dando así luz verde a la redacción de un guión firmado por Judy Freudberg y Tony Geiss que, una vez finalizado, hubo de ser sometido a numerosas reescrituras durante el proceso de producción para hacer frente a los muchos problemas que Bluth y sus animadores fueron encontrándose conforme avanzaban los meses, se acercaba la fecha de estreno y el presupuesto inicialmente previsto crecía de forma casi indiscriminada.

Aumentando de 6,5 millones a los 9 que finalmente costó a las arcas de las tres compañías implicadas —la suya, Amblin y Universal— tres fueron los frentes en los que Bluth tuvo que luchar contra viento y marea para poder sacar adelante 'Fievel...'. El primero, de índole técnica, era el cambio radical en los modos de producción que la cinta terminó requiriendo, obligando al cineasta a contratar un ayudante para poder realizar los storyboards de toda la acción —algo que hasta entonces había sido entera responsabilidad suya— y a recurrir a procedimientos como la Xerografía para agilizar los tiempos de animación.

Directamente derivado de la asociación con Amblin y Universal, la segunda de las trabas es la que provocó que, llegado el momento, Bluth sintiera que el control sobre 'Fievel...' se le estaba yendo de las manos. Supervisado por demasiados ojos, el proceso de avance de la producción llego a un momento en el que el recorte de escenas y la inserción de nuevas para asegurar la continuidad de la acción fue estrictamente necesario si se quería llegar a la fecha de estreno. Entre las que se perdieron las que resultan más llamativas son las que nos habrían trasladado las aventuras de Fievel y su familia por Europa camino hacia el barco que los lleva a América.

Por último, y después de haber intentado mudar la producción a Irlanda para reducir costes —algo que impidió Spielberg aduciendo que una cinta llamada 'An American Tail' no podía ser elaborada en otro país (sic)—, Bluth se fue a topar con los sindicatos: considerando que el presupuesto inicial del filme era casi la mitad de lo que una cinta Disney venía costando por aquellos tiempos y a sabiendas de que era un esfuerzo que iba a merecer la pena por contar con el respaldo de Spielberg, el cineasta llegó a un acuerdo con sus empleados y congeló el sueldo durante un año y medio muy por debajo de lo que la unión de trabajadores tenía establecido.

Dicha decisión hizo que los sindicatos estadounidenses se le echaran encima y comenzaran una batalla constante que se prolongaría casi todo el proceso de producción, complicando aún más la extenuante labor que ésta comportaba e inclinando de forma definitiva la balanza en favor de que, de cara al futuro de la compañía y a la puesta en pie de su tercer título, Sullivan Bluth —nuevo nombre que adquirió la productora— aprovechara las muchas ventajas fiscales que ofrecía Irlanda, mudando toda su operación allende los mares para narrar las aventuras de cinco dinosaurios.

Horner en la cumbre

(...) no hay manera de que pudieras utilizar una música como esta en otro tipo de película. Sólo funcionaría en animación o si hubiese escrito un ballet. Adoré hacerla.

Dejando de lado complicaciones y "anécdotas" del proceso de producción y entrando de lleno en valorar lo que 'Fievel...' nos ofrece, resulta inevitable comenzar por cualquier otro lugar que no sea aquello que primero acude a nuestros sentidos cuando comenzamos a ver la cinta animada. Y esto no es otra cosa que las evocadoras notas arrancadas a un violín por la maravillosa y sobresaliente partitura de un James Horner que alcanza con la composición de este filme una de las cotas más altas de cuantas le hemos visto coronar a lo largo de su prolífica carrera.

Respondiendo a la intención inicial de Spielberg de que la cinta fuera un musical —se dice que el realizador afirmó que quería su propio 'Heigh-Ho' en clara referencia a la canción de los enanitos de Blancanieves— la alternancia entre las cuatro canciones que jalonan la acción y la música orquestal es de una perfección sublime que alcanza su paroxismo en ese 'Somewhere Out There' cantado por Fievel a la luz de la luna que mereció dos premios Grammy a la Mejor Canción del Año y Mejor Canción Escrita para una Película o para Televisión.

Reflejo indiscutible de la grandeza que encierran las notas de Horner, que la práctica totalidad de los premios y nominaciones que mereció la cinta fueran destinados a el trabajo del músico estadounidense habla a la perfección de la grandeza de una banda sonora evocadora, variada y que, en última instancia, consigue transmitir a la perfección la gran variedad de sentimientos que Bluth logró instilar en el metraje, sobresaliendo por encima de todos la inmensa ternura que despierta ese pequeño ratoncito llamado Fievel Ratonowitz.

'Fievel y el nuevo mundo', dechado de virtudes

Claramente establecido en el segundo párrafo del artículo, que 'Fievel...' es una pequeña maravilla del cine de animación de todos los tiempos es algo constatable cuando uno se asoma a sus ochenta minutos y asiste a un despliegue de talento y variedad que justifica más allá de cualquier dato de taquilla el que la producción de Don Bluth se convirtiera en la primera película de dibujos animados que batía a un título de Disney, superando en 22 millones de dólares a 'Basil, el ratón superdetective' ('The Great Mouse Detective', Burny Mattinson, David Michener, John Musker y Ron Clements, 1986).

Pero más allá de las inevitables comparaciones y de lo que esa "victoria" supondría para los dos estudios, volver hoy a 'Fievel...' con casi treinta años más en las espaldas permite acercarse con una mirada completamente diferente a lo que de chaval ya me encandilara por completo, ateniendo a otras lecturas de la cinta que se alejan de su vertiente más aventurera e infantil sin que ello suponga, por supuesto, rechazar lo bien que dicho sesgo de la cinta funciona, sobre todo en lo que concierne a la sinergia que se crea entre el ratoncito protagonista y ese gato llamado Tigre al que ponía voz en la versión original el versátil Dom DeLuise.

Apreciando pues lo bien que la cinta resume, por ejemplo, la diáspora que llevo a muchos europeos de principios de finales del s.XIX a buscar el sueño americano, y valorando asimismo la inmensa calidad de una animación que se hace grande en su concreción tradicional con unos diseños de personajes magníficos —la ternura que, de nuevo, despierta Fievel desde su primer segundo es de genio— y un mimo exquisito por los fondos sobre los que se desarrolla la acción, no es descabellado afirmar que 'Fievel y el nuevo mundo' es un título que sigue siendo estación de peregrinaje obligado para cualquier amante del cine de animación en particular y del séptimo arte en general.

Steven Spielberg probablemente sea el director de Hollywood con más proyectos en su agenda, de los cuales luego hay muchos que acaban quedando en nada o siendo dirigidos por otras personas. Curiosamente, Christopher Nolan fue su sustituto de lujo al frente de 'Interstellar' y ahora va a suceder lo contrario, pues Warner ofreció en su momento a Nolan encargarse de 'Ready Player One', pero finalmente será Spielberg quien la dirija.

'Ready Player One' supondrá el salto al cine de la novela de Ernest Cline que sitúa la acción en el año 2044 y que sigue las aventuras de un adolescente que inicia una búsqueda del tesoro en un mundo online que pondrá a prueba todos sus conocimientos sobre la cultura pop de los años 80. El guión correrá a cargo de Zak Penn, conocido por su participación en títulos como 'El increíble Hulk' (The Incredible Hulk) o 'X-Men: La decisión final' (X-Men: The Last Stand).

La principal complicación del proyecto es que el original literario está plagado de referencias a productos populares de la cultura popular y podrían tener problemas para conseguir los derechos. No obstante, casos tan recientes como el de 'La LEGO Película' (The Lego Movie) o 'Pixels' invita a pensar que tampoco debería ser tan complicado estar a la altura de un libro que tardó bien poco en convertirse en todo un fenómeno editorial.

Además, 'Ready Player One' supone el regreso de Spielberg a Warner, compañía con la que no colaboraba desde 'Inteligencia Artificial' (Artificial Intelligence) y que llevaba ya varios años intentando su regreso. Eso sí, el responsable de la magnífica 'Tiburón' (Jaws) está actualmente ocupado con 'Bridge of Spies' y luego se pondrá manos a la obra con ‘El gran gigante bonachón’ (‘The BFG’). Salvo que cambie de idea a última hora -algo que no podemos descartar-, será después de esta última cuando ruede 'Ready Player One'.

Vía | Deadline